Diego Velázquez

Velázquez: el maestro de la pintura española

Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (Sevilla, 1599 – Madrid, 1660) es el pintor más importante del Barroco español y uno de los grandes maestros de la pintura occidental de todos los tiempos. Pintor de cámara del rey Felipe IV durante más de treinta años, su obra trasciende el encargo cortesano para convertirse en una reflexión profunda sobre la realidad, la identidad y la naturaleza misma de la representación pictórica.

Su influencia sobre la pintura posterior es enorme: Goya lo admiró profundamente, Manet lo reivindicó como precursor del arte moderno, los impresionistas lo convirtieron en referente, y Picasso realizó 58 variaciones sobre Las Meninas en 1957.

Contexto histórico y artístico

El Barroco dominó el arte europeo durante los siglos XVII y principios del XVIII. En España, este periodo coincidió con la monarquía de los Habsburgo y con el llamado Siglo de Oro de las letras y las artes. La corte de Felipe IV, el rey más cultivado y amante del arte de la dinastía, reunió a los mejores artistas del momento y acumuló una colección de pintura extraordinaria, formada por obras de Tiziano, Rubens, Rafael y Miguel Ángel.

El Barroco español se caracteriza por un naturalismo riguroso y una sobriedad cromática que lo diferencia del Barroco italiano o flamenco. Velázquez fue la figura cumbre de esta escuela nacional.

Formación y primeros años (1599-1622)

Velázquez nació en Sevilla en 1599 en el seno de una familia de origen portugués. Con doce años entró como aprendiz en el taller de Francisco Pacheco, pintor, teórico del arte y humanista sevillano. Pacheco le enseñó los fundamentos técnicos y teóricos del oficio y le introdujo en los círculos intelectuales de la ciudad. En 1618, Velázquez contrajo matrimonio con Juana Pacheco, hija de su maestro, y obtuvo el grado de maestro pintor que le habilitaba para trabajar por cuenta propia.

Sus primeras obras sevillanas son bodegones y escenas religiosas con figuras de apariencia popular, pintadas con un realismo rotundo. La influencia del naturalismo caravaggesco, llegada a Sevilla a través de grabados y pinturas, es evidente en estas obras tempranas: fondos oscuros, iluminación directa y figuras representadas con toda su corporeidad física.

El camino a la corte (1622-1629)

En 1622, acompañado por su suegro, Velázquez viajó a Madrid por primera vez. En ese primer intento no consiguió ser recibido por el rey, pero sí pudo estudiar los fondos reales. En 1623, en un segundo viaje, pintó un retrato del conde-duque de Olivares, el valido de Felipe IV, que quedó tan satisfecho que le encargó un retrato del rey. El rey Felipe IV quedó tan impresionado que nombró a Velázquez pintor de cámara real con salario fijo y acceso privilegiado a los palacios.

Este nombramiento lo acompañaría toda su vida. El cargo garantizaba estabilidad económica y acceso a la extraordinaria colección real, pero también implicaba la obligación permanente de estar al servicio del monarca: retratos de la familia real, decoración de palacios y adquisición de obras de arte para la corona.

Los viajes a Italia (1629-1631 y 1649-1651)

Velázquez realizó dos viajes a Italia que fueron decisivos para su formación y para la evolución de su estilo.

En el primer viaje (1629-1631), con el apoyo del rey y de Rubens —que había visitado Madrid en 1628—, pudo estudiar directamente las obras de Rafael, Miguel Ángel, Tiziano y Tintoretto. Pintó en este viaje La fragua de Vulcano y La túnica de José, dos obras que muestran una nueva solución del espacio y de las figuras influida por el Renacimiento italiano.

En el segundo viaje (1649-1651) fue enviado por el rey para comprar obras de arte para la colección real. Durante su estancia en Roma pintó el célebre Retrato de Juan de Pareja (su esclavo), que causó sensación en la exposición del Panteón de Roma, y luego el retrato del Papa Inocencio X, considerado uno de los mejores retratos de la historia del arte.

Madurez artística y grandes obras (1635-1660)

El periodo de madurez de Velázquez es el de mayor complejidad técnica y conceptual. La pincelada se fue haciendo progresivamente más suelta y atmosférica: en sus obras tardías los ropajes y los fondos están resueltos con trazos rápidos que de cerca parecen incompletos pero que de lejos crean una ilusión perfecta de realidad. Esta técnica, que anticipa el Impresionismo del siglo XIX, impresionó a Manet y a los pintores franceses que visitaron el Prado en el XIX.

La rendición de Breda (c. 1634-35) es la gran composición histórica del artista, encargada para el Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro. Representa la rendición de la ciudad flamenca de Breda al marqués de Spínola en 1625. La escena rehuye el triunfalismo: los vencedores españoles se comportan con magnanimidad y los vencidos holandeses conservan su dignidad. La famosa imagen de las lanzas, que da el tono de la composición, es de una solución tan elegante como natural.

Las Meninas (1656) es la obra cumbre de Velázquez y una de las pinturas más estudiadas y comentadas de toda la historia del arte. Representa a la infanta Margarita rodeada de sus damas de honor (meninas), enanos de la corte, perros y al propio Velázquez pintando en un enorme lienzo. En el fondo de la sala, un espejo refleja las imágenes del rey y la reina, que serían los sujetos del retrato en el que el pintor está trabajando. El juego de miradas, presencias y ausencias hace de esta obra una reflexión sin precedentes sobre la naturaleza de la representación, la identidad del artista y la relación entre pintor, modelo y espectador. Michel Foucault dedicó las primeras páginas de Las palabras y las cosas (1966) a un análisis de esta obra.

Las hilanderas (c. 1655-60) es otra obra de madurez extraordinaria: en apariencia una escena de trabajo en la Real Fábrica de Tapices de Santa Isabel, encierra en su fondo la representación del mito de Aracne, la tejedora que desafió a Atenea.

Estilo artístico

Naturalismo y evolución de la pincelada

Velázquez partió del naturalismo aprendido en Sevilla, pintando lo que ve sin idealizarlo. Sus primeras obras muestran un realismo próximo al de Caravaggio: fondos oscuros, figuras populares representadas con toda su humanidad. Con el tiempo, la pincelada se fue soltando hasta lograr ese efecto ilusionista único de sus obras tardías.

La luz

La luz de Velázquez no es el claroscuro dramático de Caravaggio. Es una luz más natural, más difusa, que crea atmósferas en lugar de contrastes teatrales. Sus fondos no son negros absolutos sino espacios llenos de aire y luz que dan profundidad a las composiciones.

El retrato psicológico

Es uno de los más grandes retratistas de la historia del arte. Sus retratos van más allá de la apariencia física para revelar la interioridad del personaje. Sus bufones, enanos y marginados son retratados con la misma humanidad y dignidad que los reyes y nobles.

Paleta y color

Su paleta es sobria: tonos grises, ocres, negros y blancos que alcanzan una luminosidad extraordinaria por la maestría con que se aplican. En sus obras tardías el color se disuelve en la luz.

Obras principales

• Las Meninas (1656) — Museo del Prado, Madrid. Su obra maestra.
• La rendición de Breda (c. 1634-35) — Museo del Prado, Madrid.
• Las hilanderas (c. 1655-60) — Museo del Prado, Madrid.
• Retrato de Juan de Pareja (1650) — Metropolitan Museum, Nueva York.
• Retrato del Papa Inocencio X (1650) — Galería Doria Pamphilj, Roma.
• Los borrachos (c. 1628-29) — Museo del Prado, Madrid.
• Cristo crucificado (c. 1632) — Museo del Prado, Madrid.
• La fragua de Vulcano (1630) — Museo del Prado, Madrid.
• Las Lanzas o La rendición de Breda (1634-35) — Museo del Prado, Madrid.

Legado e influencia posterior

La influencia de Velázquez en la pintura posterior es enorme y trasciende el Barroco. Goya lo estudió y admiró como el más grande de los pintores españoles. Los pintores franceses del siglo XIX —especialmente Manet y los Impresionistas— lo redescubrieron durante sus visitas al Prado y lo convirtieron en referente de la modernidad artística: su pincelada suelta, su naturalismo sin retórica y su capacidad para capturar la realidad cotidiana eran exactamente lo que ellos buscaban.

Picasso realizó 58 variaciones sobre Las Meninas en 1957, en un ejercicio de diálogo entre dos gigantes de la pintura española. Francis Bacon también estudió y reinterpretó el retrato del Papa Inocencio X. Salvador Dalí lo citó repetidamente. La influencia de Velázquez en el arte moderno y contemporáneo es continua y todavía viva.

Cronología

1599 — Nace en Sevilla, en el barrio de San Pedro

1610 — Entra como aprendiz en el taller de Francisco Pacheco

1617 — Aprueba el examen de maestro pintor en el gremio de San Lucas de Sevilla

1618 — Contrae matrimonio con Juana Pacheco

1622 — Primer viaje a Madrid: no consigue ser recibido por el rey

1623 — Segundo viaje a Madrid: pinta al rey Felipe IV y es nombrado pintor de cámara real

1627 — Gana el concurso para pintar La expulsión de los moriscos

1629-1631 — Primer viaje a Italia: Venecia, Roma, Nápoles. Pinta La fragua de Vulcano y La túnica de José

c. 1634-35 — Pinta La rendición de Breda para el Salón de Reinos

1649-1651 — Segundo viaje a Italia. Pinta los retratos de Juan de Pareja y del Papa Inocencio X

1656 — Pinta Las Meninas

c. 1655-60 — Pinta Las hilanderas

1660 — Muere en Madrid el 6 de agosto, agotado tras la organización de las celebraciones del Tratado de los Pirineos